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«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

Así, las reflexiones del alemán Julian Rosefeldt en torno al turismo contemporáneo y el cosmopolitismo de nuevo cuño hallan sin duda eco en las obras del suizo Olaf Breuning y la alemana Lilly Lulay; por su parte, aspectos como el feminismo, el género y la construcción de la identidad son comunes en las obras de la norteamericana Ellen Cantor, la italiana Federica Dauri y la japonesa Miwa Yanagi; aunque también Yanagi comparte con Breuning una insospechada afición por lo surreal y lo absurdo; la preocupación por el paisaje, tanto en su forma física como metafórica, es compartida por los artistas chilenos Enrique Ramírez y Gianfranco Foschino y la alemana Lilly Lulay; también el paisaje o, más bien, la idea del ‘paisaje como imagen en movimiento’, reúne a los norteamericanos Jeremy Blake y Tim White-Sobieski a través de unas composiciones sinestésicas, sonoras y, en momentos, hipnóticas; el cuerpo solitario de la italiana Federica Dauri halla a su vez reflejo en las intensas sesiones participativas del alemán- norteamericano Oliver Herring.

Gran parte de las obras recogidas en «Inside Me» muestran un fuerte elemento performativo que incluso se desborda hacia la presencia del propio artista en la obra asumiendo tanto el papel de actor principal o secundario (Cantor, Rosefeldt, Yanagi, Dauri, Herring y Lulay) como a través de una suerte de alter ego (Breuning y Ramírez). Conexiones y ramificaciones todas ellas que reflejan la complejidad de las temáticas abordadas que permiten lecturas que van más allá del bloque en el que han sido incardinadas y que muestran lo que Erving Goffman con acierto denominara como “la presentación del yo”: el yo público como producto de una serie de actuaciones y roles motivados por una vida que exige en sí misma una actuación cada vez más performativa.

Bien podemos concluir que «Inside Me» constituye una propuesta ambiciosa en tanto en cuanto aborda los diferentes y apasionantes lenguajes del vídeo contemporáneo: desde el remake (Cantor) y la experimentación digital (White-Sobieski y Blake) hasta el sofisticado uso de técnicas cinematográficas (Rosefeldt) y de la cámara fija (Foschino, Lulay, Ramírez, Dauri) o el recurso a innovadoras técnicas a la hora de grabar performances colectivos (Herring).

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

www.fundacionmapfrecanarias.org

A lo largo del siglo XX hubo principalmente dos movimientos que pugnaron por supremacía artística: el cubismo y el surrealismo. Se impuso, como sabemos, el cubismo y con ello la idea formalista de la historia del arte y también el denominado ‘cubo blanco’ como escenario. Sin embargo, el surrealismo de los años 20 y 30 ya abordaba muchos de los temas que hoy son vitales para la sociedad contemporánea: desde el sexo y la sexualidad pasando por la identidad y el género o el proceloso mundo de los sueños. Por ello es más que lógico que el artista hoy recupere ese complejo y, en muchos aspectos, radical legado. Y entre ellos figuran sin duda el suizo Olaf Breuning y la japonesa Miwa Yanagi, cuyas obras nos brindan acceso a extraños mundos a caballo entre la fantasía, el misterio, la ironía y el activismo.

En Home 1/Home 2 de Olaf Breuning (Schaffhausen, 1970), una suerte de alter ego del artista llamado Brian Kerstetter se adentra tan pronto en un hotel contando historias inventadas que, como por arte de magia, aparecen de inmediato en una pantalla como que se lanza al mundo cual nómada impertinente recorriendo desde Suiza y África hasta Japón y Papúa Nueva Guinea mientras lo interpreta y lo comenta con los ignorantes ojos del turista accidental/occidental. Por su parte, la japonesa Miwa Yanagi (Kobe, 1967) nos sumerge en un mundo impregnado de fantasía, surrealismo y magia donde realidad, ficción y activismo caminan admirablemente de la mano. El misterioso vídeo Sunna Onna (2005) fue rodado en el Parque Natural de las Cañadas del Teide y surge a partir de una invitación hecha a la artista por parte de la galería Leyendecker. Anida en su trabajo un profundo interés por la posición de la mujer y los estereotipos asociados a ella en la sociedad japonesa. Sunna Onna o mujer de arena pertenece a la serie Fairy Tales (cuentos de hada) en la que las protagonistas (que extrañamente son jóvenes y viejas a la vez) recrean ciertos aspectos de los cuentos de hada para criticar aspectos relacionados con la edad, la sexualidad o el género. Sunna Onna nos enseña a una niña con su abuela para hablarnos de manera poética al tiempo que onírica de identidades en transformación en un mundo supranatural.

INFORMACIÓN DEL EVENTO
«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

Así, las reflexiones del alemán Julian Rosefeldt en torno al turismo contemporáneo y el cosmopolitismo de nuevo cuño hallan sin duda eco en las obras del suizo Olaf Breuning y la alemana Lilly Lulay; por su parte, aspectos como el feminismo, el género y la construcción de la identidad son comunes en las obras de la norteamericana Ellen Cantor, la italiana Federica Dauri y la japonesa Miwa Yanagi; aunque también Yanagi comparte con Breuning una insospechada afición por lo surreal y lo absurdo; la preocupación por el paisaje, tanto en su forma física como metafórica, es compartida por los artistas chilenos Enrique Ramírez y Gianfranco Foschino y la alemana Lilly Lulay; también el paisaje o, más bien, la idea del ‘paisaje como imagen en movimiento’, reúne a los norteamericanos Jeremy Blake y Tim White-Sobieski a través de unas composiciones sinestésicas, sonoras y, en momentos, hipnóticas; el cuerpo solitario de la italiana Federica Dauri halla a su vez reflejo en las intensas sesiones participativas del alemán- norteamericano Oliver Herring.

Gran parte de las obras recogidas en «Inside Me» muestran un fuerte elemento performativo que incluso se desborda hacia la presencia del propio artista en la obra asumiendo tanto el papel de actor principal o secundario (Cantor, Rosefeldt, Yanagi, Dauri, Herring y Lulay) como a través de una suerte de alter ego (Breuning y Ramírez). Conexiones y ramificaciones todas ellas que reflejan la complejidad de las temáticas abordadas que permiten lecturas que van más allá del bloque en el que han sido incardinadas y que muestran lo que Erving Goffman con acierto denominara como “la presentación del yo”: el yo público como producto de una serie de actuaciones y roles motivados por una vida que exige en sí misma una actuación cada vez más performativa.

Bien podemos concluir que «Inside Me» constituye una propuesta ambiciosa en tanto en cuanto aborda los diferentes y apasionantes lenguajes del vídeo contemporáneo: desde el remake (Cantor) y la experimentación digital (White-Sobieski y Blake) hasta el sofisticado uso de técnicas cinematográficas (Rosefeldt) y de la cámara fija (Foschino, Lulay, Ramírez, Dauri) o el recurso a innovadoras técnicas a la hora de grabar performances colectivos (Herring).

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

Desde los años 60 en adelante no pocos artistas buscan un arte directo, abierto y, ciertamente, beligerante en la búsqueda de nuevas maneras de cambiar la sociedad y establecer una nueva relación con el público. Así van surgiendo acciones, happenings, performances y otros eventos colectivos que, bajo diferentes nombres, cuestionan la relación del museo-institución con el espectador-ciudadano. Esta búsqueda de nuevos enfoques y nuevas audiencias se retoma nuevamente en los años 90 y 2000 bajo el nombre de nuevo institucionalismo. La obra del artista alemán afincado en Estados Unidos Oliver Herring bebe sin duda de ambos postulados teóricos. Oliver Herring (Heidelberg, 1964) se da a conocer a finales de los 90 por una serie de delicadas esculturas hechas con mylar o poliéster transparente y otros tantos vídeos de gestos repetitivos en los que aparece el artista haciendo punto o cayéndose una y otra vez.

La serie de acciones en vídeo bajo el título Little Dances of Misfortune I y II (2002) traslada esas preocupaciones por lo performativo, la repetición y la mutación hacia el ámbito de lo colectivo y lo fortuito. Recordando el cine mudo de Buster Keaton, Herring reúne a pequeños grupos de actores/bailarines, cuyos cuerpos han sido pintados con pintura fosforescente, para recrear determinadas coreografías que simulan gestos caleidoscópicos. Por un brevísimo instante las luces iluminan el escenario para apagarse de inmediato sumiendo a los participantes en la más absoluta oscuridad mientras éstos suben escaleras, caminan, se tiran o simplemente se caen. Fantasmales cuerpos desmembrados entonces que van y vienen hasta que las luces de nuevo ofrecen una nueva configuración. Es como si asistiéramos a un performance expresionista de Jackson Pollock donde los brochazos se convierten en partes de cuerpos danzantes que flotan animadamente por el aire. Las sesiones tienen un algo de terapia colectiva, pues los participantes son por lo general personas desconocidas que Herring encuentra en diferentes lugares públicos como la calle, el bar o la biblioteca.

—Oliver Herring, Little Dances of Misfortune I (2002), 3’06’’, mono-canal Cortesía Fundación MAPFRE Canarias

«Inside Me»

«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

www.fundacionmapfrecanarias.org

A partir de los años 90 las relaciones entre el cine y el vídeo se vuelven cada vez más fluidas y complejas. El vídeo se convierte en una herramienta ‘híbrida’ y en una práctica artística ‘intermedial’ que subsume otras disciplinas como la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación o el performance. La relación del arte con el cine pasa así a un primer plano. El video-artista interviene fragmentos de películas existentes (el famoso remake) o aplica técnicas de montaje y perspectivas cinematográficas. En este sentido, el alemán Julian Rosefeldt es sin duda uno de los artistas más destacados de los últimos veinte años aunando en sus video- instalaciones una extremada sofisticación desde el punto de vista de la narratividad, la estética y el manejo de la técnica.

Como buen hijo de la globalización, Julian Rosefeldt (Múnich, 1965) recorre los cuatro rincones del mundo a la hora de plasmar su visión artística. La obra Lonely Planet (2006) es un perfecto ejemplo de ello. Tomando el título prestado de la famosa guía turística Lonely Planet, Rosefeldt plantea la siguiente cuestión: ¿qué significa ser turista hoy día en un mundo cada vez más interconectado? O, incluso, ¿queda algo por descubrir en el mundo? Asumiendo él mismo el papel del típico turista ‘mochilero’, Rosefeldt viaja a la India cargado de deseos e ilusiones por descubrir paraísos exóticos vírgenes. Cual Cristóbal Colón del siglo 21, aquí irónicamente Rosefeldt se convierte en el ‘otro’, en la atracción para la población local, lo que le empuja incluso a actuar y bailar en una película de Bollywood.

«Inside Me»

«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

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«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

Así, las reflexiones del alemán Julian Rosefeldt en torno al turismo contemporáneo y el cosmopolitismo de nuevo cuño hallan sin duda eco en las obras del suizo Olaf Breuning y la alemana Lilly Lulay; por su parte, aspectos como el feminismo, el género y la construcción de la identidad son comunes en las obras de la norteamericana Ellen Cantor, la italiana Federica Dauri y la japonesa Miwa Yanagi; aunque también Yanagi comparte con Breuning una insospechada afición por lo surreal y lo absurdo; la preocupación por el paisaje, tanto en su forma física como metafórica, es compartida por los artistas chilenos Enrique Ramírez y Gianfranco Foschino y la alemana Lilly Lulay; también el paisaje o, más bien, la idea del ‘paisaje como imagen en movimiento’, reúne a los norteamericanos Jeremy Blake y Tim White-Sobieski a través de unas composiciones sinestésicas, sonoras y, en momentos, hipnóticas; el cuerpo solitario de la italiana Federica Dauri halla a su vez reflejo en las intensas sesiones participativas del alemán- norteamericano Oliver Herring.

Gran parte de las obras recogidas en «Inside Me» muestran un fuerte elemento performativo que incluso se desborda hacia la presencia del propio artista en la obra asumiendo tanto el papel de actor principal o secundario (Cantor, Rosefeldt, Yanagi, Dauri, Herring y Lulay) como a través de una suerte de alter ego (Breuning y Ramírez). Conexiones y ramificaciones todas ellas que reflejan la complejidad de las temáticas abordadas que permiten lecturas que van más allá del bloque en el que han sido incardinadas y que muestran lo que Erving Goffman con acierto denominara como “la presentación del yo”: el yo público como producto de una serie de actuaciones y roles motivados por una vida que exige en sí misma una actuación cada vez más performativa.

Bien podemos concluir que «Inside Me» constituye una propuesta ambiciosa en tanto en cuanto aborda los diferentes y apasionantes lenguajes del vídeo contemporáneo: desde el remake (Cantor) y la experimentación digital (White-Sobieski y Blake) hasta el sofisticado uso de técnicas cinematográficas (Rosefeldt) y de la cámara fija (Foschino, Lulay, Ramírez, Dauri) o el recurso a innovadoras técnicas a la hora de grabar performances colectivos (Herring).

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

www.fundacionmapfrecanarias.org

A lo largo del siglo XX hubo principalmente dos movimientos que pugnaron por supremacía artística: el cubismo y el surrealismo. Se impuso, como sabemos, el cubismo y con ello la idea formalista de la historia del arte y también el denominado ‘cubo blanco’ como escenario. Sin embargo, el surrealismo de los años 20 y 30 ya abordaba muchos de los temas que hoy son vitales para la sociedad contemporánea: desde el sexo y la sexualidad pasando por la identidad y el género o el proceloso mundo de los sueños. Por ello es más que lógico que el artista hoy recupere ese complejo y, en muchos aspectos, radical legado. Y entre ellos figuran sin duda el suizo Olaf Breuning y la japonesa Miwa Yanagi, cuyas obras nos brindan acceso a extraños mundos a caballo entre la fantasía, el misterio, la ironía y el activismo.

En Home 1/Home 2 de Olaf Breuning (Schaffhausen, 1970), una suerte de alter ego del artista llamado Brian Kerstetter se adentra tan pronto en un hotel contando historias inventadas que, como por arte de magia, aparecen de inmediato en una pantalla como que se lanza al mundo cual nómada impertinente recorriendo desde Suiza y África hasta Japón y Papúa Nueva Guinea mientras lo interpreta y lo comenta con los ignorantes ojos del turista accidental/occidental. Por su parte, la japonesa Miwa Yanagi (Kobe, 1967) nos sumerge en un mundo impregnado de fantasía, surrealismo y magia donde realidad, ficción y activismo caminan admirablemente de la mano. El misterioso vídeo Sunna Onna (2005) fue rodado en el Parque Natural de las Cañadas del Teide y surge a partir de una invitación hecha a la artista por parte de la galería Leyendecker. Anida en su trabajo un profundo interés por la posición de la mujer y los estereotipos asociados a ella en la sociedad japonesa. Sunna Onna o mujer de arena pertenece a la serie Fairy Tales (cuentos de hada) en la que las protagonistas (que extrañamente son jóvenes y viejas a la vez) recrean ciertos aspectos de los cuentos de hada para criticar aspectos relacionados con la edad, la sexualidad o el género. Sunna Onna nos enseña a una niña con su abuela para hablarnos de manera poética al tiempo que onírica de identidades en transformación en un mundo supranatural.

INFORMACIÓN DEL EVENTO
«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

Así, las reflexiones del alemán Julian Rosefeldt en torno al turismo contemporáneo y el cosmopolitismo de nuevo cuño hallan sin duda eco en las obras del suizo Olaf Breuning y la alemana Lilly Lulay; por su parte, aspectos como el feminismo, el género y la construcción de la identidad son comunes en las obras de la norteamericana Ellen Cantor, la italiana Federica Dauri y la japonesa Miwa Yanagi; aunque también Yanagi comparte con Breuning una insospechada afición por lo surreal y lo absurdo; la preocupación por el paisaje, tanto en su forma física como metafórica, es compartida por los artistas chilenos Enrique Ramírez y Gianfranco Foschino y la alemana Lilly Lulay; también el paisaje o, más bien, la idea del ‘paisaje como imagen en movimiento’, reúne a los norteamericanos Jeremy Blake y Tim White-Sobieski a través de unas composiciones sinestésicas, sonoras y, en momentos, hipnóticas; el cuerpo solitario de la italiana Federica Dauri halla a su vez reflejo en las intensas sesiones participativas del alemán- norteamericano Oliver Herring.

Gran parte de las obras recogidas en «Inside Me» muestran un fuerte elemento performativo que incluso se desborda hacia la presencia del propio artista en la obra asumiendo tanto el papel de actor principal o secundario (Cantor, Rosefeldt, Yanagi, Dauri, Herring y Lulay) como a través de una suerte de alter ego (Breuning y Ramírez). Conexiones y ramificaciones todas ellas que reflejan la complejidad de las temáticas abordadas que permiten lecturas que van más allá del bloque en el que han sido incardinadas y que muestran lo que Erving Goffman con acierto denominara como “la presentación del yo”: el yo público como producto de una serie de actuaciones y roles motivados por una vida que exige en sí misma una actuación cada vez más performativa.

Bien podemos concluir que «Inside Me» constituye una propuesta ambiciosa en tanto en cuanto aborda los diferentes y apasionantes lenguajes del vídeo contemporáneo: desde el remake (Cantor) y la experimentación digital (White-Sobieski y Blake) hasta el sofisticado uso de técnicas cinematográficas (Rosefeldt) y de la cámara fija (Foschino, Lulay, Ramírez, Dauri) o el recurso a innovadoras técnicas a la hora de grabar performances colectivos (Herring).

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

Desde los años 60 en adelante no pocos artistas buscan un arte directo, abierto y, ciertamente, beligerante en la búsqueda de nuevas maneras de cambiar la sociedad y establecer una nueva relación con el público. Así van surgiendo acciones, happenings, performances y otros eventos colectivos que, bajo diferentes nombres, cuestionan la relación del museo-institución con el espectador-ciudadano. Esta búsqueda de nuevos enfoques y nuevas audiencias se retoma nuevamente en los años 90 y 2000 bajo el nombre de nuevo institucionalismo. La obra del artista alemán afincado en Estados Unidos Oliver Herring bebe sin duda de ambos postulados teóricos. Oliver Herring (Heidelberg, 1964) se da a conocer a finales de los 90 por una serie de delicadas esculturas hechas con mylar o poliéster transparente y otros tantos vídeos de gestos repetitivos en los que aparece el artista haciendo punto o cayéndose una y otra vez.

La serie de acciones en vídeo bajo el título Little Dances of Misfortune I y II (2002) traslada esas preocupaciones por lo performativo, la repetición y la mutación hacia el ámbito de lo colectivo y lo fortuito. Recordando el cine mudo de Buster Keaton, Herring reúne a pequeños grupos de actores/bailarines, cuyos cuerpos han sido pintados con pintura fosforescente, para recrear determinadas coreografías que simulan gestos caleidoscópicos. Por un brevísimo instante las luces iluminan el escenario para apagarse de inmediato sumiendo a los participantes en la más absoluta oscuridad mientras éstos suben escaleras, caminan, se tiran o simplemente se caen. Fantasmales cuerpos desmembrados entonces que van y vienen hasta que las luces de nuevo ofrecen una nueva configuración. Es como si asistiéramos a un performance expresionista de Jackson Pollock donde los brochazos se convierten en partes de cuerpos danzantes que flotan animadamente por el aire. Las sesiones tienen un algo de terapia colectiva, pues los participantes son por lo general personas desconocidas que Herring encuentra en diferentes lugares públicos como la calle, el bar o la biblioteca.

—Oliver Herring, Little Dances of Misfortune I (2002), 3’06’’, mono-canal Cortesía Fundación MAPFRE Canarias

«Inside Me»

«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

www.fundacionmapfrecanarias.org

A partir de los años 90 las relaciones entre el cine y el vídeo se vuelven cada vez más fluidas y complejas. El vídeo se convierte en una herramienta ‘híbrida’ y en una práctica artística ‘intermedial’ que subsume otras disciplinas como la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación o el performance. La relación del arte con el cine pasa así a un primer plano. El video-artista interviene fragmentos de películas existentes (el famoso remake) o aplica técnicas de montaje y perspectivas cinematográficas. En este sentido, el alemán Julian Rosefeldt es sin duda uno de los artistas más destacados de los últimos veinte años aunando en sus video- instalaciones una extremada sofisticación desde el punto de vista de la narratividad, la estética y el manejo de la técnica.

Como buen hijo de la globalización, Julian Rosefeldt (Múnich, 1965) recorre los cuatro rincones del mundo a la hora de plasmar su visión artística. La obra Lonely Planet (2006) es un perfecto ejemplo de ello. Tomando el título prestado de la famosa guía turística Lonely Planet, Rosefeldt plantea la siguiente cuestión: ¿qué significa ser turista hoy día en un mundo cada vez más interconectado? O, incluso, ¿queda algo por descubrir en el mundo? Asumiendo él mismo el papel del típico turista ‘mochilero’, Rosefeldt viaja a la India cargado de deseos e ilusiones por descubrir paraísos exóticos vírgenes. Cual Cristóbal Colón del siglo 21, aquí irónicamente Rosefeldt se convierte en el ‘otro’, en la atracción para la población local, lo que le empuja incluso a actuar y bailar en una película de Bollywood.

«Inside Me»

«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

www.fundacionmapfrecanarias.org

«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

Así, las reflexiones del alemán Julian Rosefeldt en torno al turismo contemporáneo y el cosmopolitismo de nuevo cuño hallan sin duda eco en las obras del suizo Olaf Breuning y la alemana Lilly Lulay; por su parte, aspectos como el feminismo, el género y la construcción de la identidad son comunes en las obras de la norteamericana Ellen Cantor, la italiana Federica Dauri y la japonesa Miwa Yanagi; aunque también Yanagi comparte con Breuning una insospechada afición por lo surreal y lo absurdo; la preocupación por el paisaje, tanto en su forma física como metafórica, es compartida por los artistas chilenos Enrique Ramírez y Gianfranco Foschino y la alemana Lilly Lulay; también el paisaje o, más bien, la idea del ‘paisaje como imagen en movimiento’, reúne a los norteamericanos Jeremy Blake y Tim White-Sobieski a través de unas composiciones sinestésicas, sonoras y, en momentos, hipnóticas; el cuerpo solitario de la italiana Federica Dauri halla a su vez reflejo en las intensas sesiones participativas del alemán- norteamericano Oliver Herring.

Gran parte de las obras recogidas en «Inside Me» muestran un fuerte elemento performativo que incluso se desborda hacia la presencia del propio artista en la obra asumiendo tanto el papel de actor principal o secundario (Cantor, Rosefeldt, Yanagi, Dauri, Herring y Lulay) como a través de una suerte de alter ego (Breuning y Ramírez). Conexiones y ramificaciones todas ellas que reflejan la complejidad de las temáticas abordadas que permiten lecturas que van más allá del bloque en el que han sido incardinadas y que muestran lo que Erving Goffman con acierto denominara como “la presentación del yo”: el yo público como producto de una serie de actuaciones y roles motivados por una vida que exige en sí misma una actuación cada vez más performativa.

Bien podemos concluir que «Inside Me» constituye una propuesta ambiciosa en tanto en cuanto aborda los diferentes y apasionantes lenguajes del vídeo contemporáneo: desde el remake (Cantor) y la experimentación digital (White-Sobieski y Blake) hasta el sofisticado uso de técnicas cinematográficas (Rosefeldt) y de la cámara fija (Foschino, Lulay, Ramírez, Dauri) o el recurso a innovadoras técnicas a la hora de grabar performances colectivos (Herring).

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

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A lo largo del siglo XX hubo principalmente dos movimientos que pugnaron por supremacía artística: el cubismo y el surrealismo. Se impuso, como sabemos, el cubismo y con ello la idea formalista de la historia del arte y también el denominado ‘cubo blanco’ como escenario. Sin embargo, el surrealismo de los años 20 y 30 ya abordaba muchos de los temas que hoy son vitales para la sociedad contemporánea: desde el sexo y la sexualidad pasando por la identidad y el género o el proceloso mundo de los sueños. Por ello es más que lógico que el artista hoy recupere ese complejo y, en muchos aspectos, radical legado. Y entre ellos figuran sin duda el suizo Olaf Breuning y la japonesa Miwa Yanagi, cuyas obras nos brindan acceso a extraños mundos a caballo entre la fantasía, el misterio, la ironía y el activismo.

En Home 1/Home 2 de Olaf Breuning (Schaffhausen, 1970), una suerte de alter ego del artista llamado Brian Kerstetter se adentra tan pronto en un hotel contando historias inventadas que, como por arte de magia, aparecen de inmediato en una pantalla como que se lanza al mundo cual nómada impertinente recorriendo desde Suiza y África hasta Japón y Papúa Nueva Guinea mientras lo interpreta y lo comenta con los ignorantes ojos del turista accidental/occidental. Por su parte, la japonesa Miwa Yanagi (Kobe, 1967) nos sumerge en un mundo impregnado de fantasía, surrealismo y magia donde realidad, ficción y activismo caminan admirablemente de la mano. El misterioso vídeo Sunna Onna (2005) fue rodado en el Parque Natural de las Cañadas del Teide y surge a partir de una invitación hecha a la artista por parte de la galería Leyendecker. Anida en su trabajo un profundo interés por la posición de la mujer y los estereotipos asociados a ella en la sociedad japonesa. Sunna Onna o mujer de arena pertenece a la serie Fairy Tales (cuentos de hada) en la que las protagonistas (que extrañamente son jóvenes y viejas a la vez) recrean ciertos aspectos de los cuentos de hada para criticar aspectos relacionados con la edad, la sexualidad o el género. Sunna Onna nos enseña a una niña con su abuela para hablarnos de manera poética al tiempo que onírica de identidades en transformación en un mundo supranatural.

INFORMACIÓN DEL EVENTO
«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

Así, las reflexiones del alemán Julian Rosefeldt en torno al turismo contemporáneo y el cosmopolitismo de nuevo cuño hallan sin duda eco en las obras del suizo Olaf Breuning y la alemana Lilly Lulay; por su parte, aspectos como el feminismo, el género y la construcción de la identidad son comunes en las obras de la norteamericana Ellen Cantor, la italiana Federica Dauri y la japonesa Miwa Yanagi; aunque también Yanagi comparte con Breuning una insospechada afición por lo surreal y lo absurdo; la preocupación por el paisaje, tanto en su forma física como metafórica, es compartida por los artistas chilenos Enrique Ramírez y Gianfranco Foschino y la alemana Lilly Lulay; también el paisaje o, más bien, la idea del ‘paisaje como imagen en movimiento’, reúne a los norteamericanos Jeremy Blake y Tim White-Sobieski a través de unas composiciones sinestésicas, sonoras y, en momentos, hipnóticas; el cuerpo solitario de la italiana Federica Dauri halla a su vez reflejo en las intensas sesiones participativas del alemán- norteamericano Oliver Herring.

Gran parte de las obras recogidas en «Inside Me» muestran un fuerte elemento performativo que incluso se desborda hacia la presencia del propio artista en la obra asumiendo tanto el papel de actor principal o secundario (Cantor, Rosefeldt, Yanagi, Dauri, Herring y Lulay) como a través de una suerte de alter ego (Breuning y Ramírez). Conexiones y ramificaciones todas ellas que reflejan la complejidad de las temáticas abordadas que permiten lecturas que van más allá del bloque en el que han sido incardinadas y que muestran lo que Erving Goffman con acierto denominara como “la presentación del yo”: el yo público como producto de una serie de actuaciones y roles motivados por una vida que exige en sí misma una actuación cada vez más performativa.

Bien podemos concluir que «Inside Me» constituye una propuesta ambiciosa en tanto en cuanto aborda los diferentes y apasionantes lenguajes del vídeo contemporáneo: desde el remake (Cantor) y la experimentación digital (White-Sobieski y Blake) hasta el sofisticado uso de técnicas cinematográficas (Rosefeldt) y de la cámara fija (Foschino, Lulay, Ramírez, Dauri) o el recurso a innovadoras técnicas a la hora de grabar performances colectivos (Herring).

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

Desde los años 60 en adelante no pocos artistas buscan un arte directo, abierto y, ciertamente, beligerante en la búsqueda de nuevas maneras de cambiar la sociedad y establecer una nueva relación con el público. Así van surgiendo acciones, happenings, performances y otros eventos colectivos que, bajo diferentes nombres, cuestionan la relación del museo-institución con el espectador-ciudadano. Esta búsqueda de nuevos enfoques y nuevas audiencias se retoma nuevamente en los años 90 y 2000 bajo el nombre de nuevo institucionalismo. La obra del artista alemán afincado en Estados Unidos Oliver Herring bebe sin duda de ambos postulados teóricos. Oliver Herring (Heidelberg, 1964) se da a conocer a finales de los 90 por una serie de delicadas esculturas hechas con mylar o poliéster transparente y otros tantos vídeos de gestos repetitivos en los que aparece el artista haciendo punto o cayéndose una y otra vez.

La serie de acciones en vídeo bajo el título Little Dances of Misfortune I y II (2002) traslada esas preocupaciones por lo performativo, la repetición y la mutación hacia el ámbito de lo colectivo y lo fortuito. Recordando el cine mudo de Buster Keaton, Herring reúne a pequeños grupos de actores/bailarines, cuyos cuerpos han sido pintados con pintura fosforescente, para recrear determinadas coreografías que simulan gestos caleidoscópicos. Por un brevísimo instante las luces iluminan el escenario para apagarse de inmediato sumiendo a los participantes en la más absoluta oscuridad mientras éstos suben escaleras, caminan, se tiran o simplemente se caen. Fantasmales cuerpos desmembrados entonces que van y vienen hasta que las luces de nuevo ofrecen una nueva configuración. Es como si asistiéramos a un performance expresionista de Jackson Pollock donde los brochazos se convierten en partes de cuerpos danzantes que flotan animadamente por el aire. Las sesiones tienen un algo de terapia colectiva, pues los participantes son por lo general personas desconocidas que Herring encuentra en diferentes lugares públicos como la calle, el bar o la biblioteca.

—Oliver Herring, Little Dances of Misfortune I (2002), 3’06’’, mono-canal Cortesía Fundación MAPFRE Canarias

«Inside Me»

«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

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A partir de los años 90 las relaciones entre el cine y el vídeo se vuelven cada vez más fluidas y complejas. El vídeo se convierte en una herramienta ‘híbrida’ y en una práctica artística ‘intermedial’ que subsume otras disciplinas como la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación o el performance. La relación del arte con el cine pasa así a un primer plano. El video-artista interviene fragmentos de películas existentes (el famoso remake) o aplica técnicas de montaje y perspectivas cinematográficas. En este sentido, el alemán Julian Rosefeldt es sin duda uno de los artistas más destacados de los últimos veinte años aunando en sus video- instalaciones una extremada sofisticación desde el punto de vista de la narratividad, la estética y el manejo de la técnica.

Como buen hijo de la globalización, Julian Rosefeldt (Múnich, 1965) recorre los cuatro rincones del mundo a la hora de plasmar su visión artística. La obra Lonely Planet (2006) es un perfecto ejemplo de ello. Tomando el título prestado de la famosa guía turística Lonely Planet, Rosefeldt plantea la siguiente cuestión: ¿qué significa ser turista hoy día en un mundo cada vez más interconectado? O, incluso, ¿queda algo por descubrir en el mundo? Asumiendo él mismo el papel del típico turista ‘mochilero’, Rosefeldt viaja a la India cargado de deseos e ilusiones por descubrir paraísos exóticos vírgenes. Cual Cristóbal Colón del siglo 21, aquí irónicamente Rosefeldt se convierte en el ‘otro’, en la atracción para la población local, lo que le empuja incluso a actuar y bailar en una película de Bollywood.

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«Inside Me» es una investigación sobre las tendencias, técnicas y temáticas en vídeo que se han manifestado a nivel internacional durante los últimos treinta años en la que el espectador se enfrenta a una multitud de lenguajes y propuestas que certifican la complejidad y la versatilidad del vídeo, en tanto que herramienta artística, a la hora de analizar, cuestionar y deconstruir las grandes y pequeñas narrativas de la sociedad en el siglo XXI y, en particular, la posición del sujeto contemporáneo en ella. La muestra habla de esas perspectivas y relatos que comparten en gran medida una querencia por lo emotivo, lo (auto-)biográfico y lo personal al tiempo que privilegian tanto una postura performativa como un afán experimental.

La exposición ha sido dividida en ocho bloques temáticos de dos semanas de duración cada uno. Bloque 1: La pintura (Tim White-Sobieski y Jeremy Blake); Bloque 2: La identidad femenina (Ellen Cantor); Bloque 3: El turista (Julian Rosefeldt); Bloque 4: La participacipación (Oliver Herring); Bloque 5: El surrealismo (Olaf Breuning y Miwa Yanagi); Bloque 6: El tiempo (Gianfranco Foschino); Bloque 7: La marea (Enrique Ramírez y Lilly Lulay); y Bloque 8: El cuerpo (Federica Dauri). Con todo, se trata de bloques temáticos que comparten ciertas preocupaciones y sensibilidades relacionadas con la identidad y el género, el feminismo, el cuerpo, la ecología y el paisaje, la percepción del tiempo, la participación o la absurdidad y la sinrazón. En otras palabras: con aquello que (pre)ocupa a la sociedad hoy más que nunca.

La muestra estará abierta de lunes a viernes de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 21:00, y la entrada será libre hasta el 21 de julio 2023.

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